Quasi senza colpo ferire e con Diletta Leotta in copertina, il 23 ottobre 2021 è tornato in edicola il catalogo Postalmarket. La testata aveva dichiarato fallimento sei anni fa, conseguenza del crollo delle vendite per corrispondenza avvenuto anche e soprattutto a causa dell'avvento di Amazon e company. Nessuno avrebbe scommesso sul suo ritorno e invece, grazie al coraggioso investimento di una cordata di imprenditori e professionisti e al suo presidente Stefano Bortolussi, il mito degli acquisti per corrispondenza è tornato. Sarà affiancato da un sito di e.commerce che è già attivo (QUI) più app e profilo Instagram.
L'Alfa Romeo (Anonima Lombarda Fabbrica Automobili) ha compiuto 111 anni il 24 giugno. In concomitanza dell'anniversario c'è stato un fitto calendario di manifestazioni per celebrarla. Dalle parate nella pista interna di Arese, agli allestimenti speciali nel museo del Biscione.
A fine giugno abbiamo deciso di visitarlo ed è stata una gran gioia per gli occhi e un bellissimo amarcord. Come dice il responsabile globale, Jean Philppe Imparato, "questo marchio è la storia d'Italia". Si parte con la prima vettura costruita, la 24 HP prima della nascita del quadrifoglio verde. Ho visto le macchine di Fangio e Nuvolari. La vincitrice del primo GP e l'Alfa Sud. Il prototipo 40/60 Aerodinamica che sembrava venir fuori dai un libro di Jules Verne e Nuvola, la splendida auto costruita e immessa sul mercato nel 1996. E poi Carabo, Touring, Disco Volante, Iguana, 1750 GT (anno 1938), Protéo, GTA, 8C, Mito.
Ho trascorso una giornata bella, entusiasmante e rossa. Chissà quanti ricordi suscita anche in voi. Io, ogni volta che osservo l'Alfa Sud, penso alla fine degli anni '70 e a Carlo Verdone😜. Ma mi sono anche fatta un'altra domanda mentre le passavo tutte in rassegna: ognuno di noi ha la sua macchina del cuore, dalla prima che ha guidato all'ultima acquistata. E ognuno di noi ha un ricordo legato a quando per la prima volta ha messo le mani sul volante.
Un mito vero la Vespa. Tra i ricordi più cari della mia adolescenza, i pomeriggi trascorsi sul cinquantino di una mia carissima amica mentre sfrecciavamo in lungo e in largo per ogni angolo della città. Si chiacchierava, si cantava, ripetevamo perfino le lezioni. Oppure spettegolavamo su compagni di scuola e professori. O ci "facevamo i film" sui ragazzi che ci piacevano, destinati per la maggior parte delle volte a rimanere materia dei nostri sogni.
La vespa bianca. La mia preferita. Quest'anno compie 75 anni e mi sembra una ragazzina. Lo scooter della Piaggio è il ciclomotore più famoso al mondo. L'ho vista esposta al Moma di New York. Bella e unica. Icona irraggiungibile alla pari della mia attrice preferita, Audrey Hepburn, che ha contribuito a renderla celebre ovunque, grazie al film "Vacanze Romane" in cui la guidava in modo rocambolesco per le vie di Roma, con Gregory Peck seduto dietro. Ho fatto una piccola ricerca e pare che siano oltre 45 i film in cui appare. Da Fellini ne La dolce vita a Caro diario di Nanni Moretti.
E per quel che riguarda le produzioni internazionali, mi vengono in mente Absolute Beginners e American Graffiti. Scommetto che voi ne ricorderete tanti altri.
Quest'anno in occasione del compleanno, il Museo Piaggio ha allestito una mostra a Pontedera che sarà visitabile fino al 30 settembre. Per informazioni QUI e QUI.
È una star internazionale, che non ha mai ceduto all'età e rimane immortale.Un gran bel pezzo della storia italiana destinato a rinnovarsi sempre e a rimanere sotto i riflettori ancora a lungo perché senza tempo.
Chissà se anche voi l'avete amata e se come me vi porterete nel cuore quel senso di libertà ed emozione che regalava. Suppongo di sì😉
Di recente, mentre stringevo tra le mani il mio telefonino e lo posizionavo per scattare una foto panoramica, ho realizzato che mi accompagna da oltre vent'anni. Quasi un matrimonio, con un attrezzo che all'inizio immaginavamo come uno strumento del futuro alla stregua delle pistole fotoniche. Vi ricordate quando dovevamo andare in giro portandoci dietro un marchingegno dal quale fuoriuscivano suoni interspaziali e voci gracchianti che era impossibile riconoscere? E la prima chiamata dalla macchina? I "tastoni" di quella appendice che poi sarebbe diventata parte integrante della nostra mano?
I messaggi "sms" scritti in un campo piccolissimo che venivano "corretti" dal maledetto T9 in assurdità e scherzi grammaticali incomprensibili? Cosa che ancora non è cambiata. Maledetto.
Ho scoperto, leggendo in giro, che fra un paio di anni compirà 50 anni. Fu Martin Cooper della Motorola, il 3 aprile 1973, a fare la prima telefonata da un cellulare. Riuscì a chiamare il suo rivale e collega Joan Engels dei Bells Labs, dal palazzo di fronte, dicendogli di essere riuscito a realizzare il primo e vero telefono cellulare. Pesava 1 kg, non aveva schermo e la batteria durava solo mezz'ora. Costava più di 4000 dollari e sarebbe divenuto dapprima uno strumento per ricchi sfacciati. Era il Motorola Dynatac 8000X. Ci vollero 10 anni per perfezionare il prodotto e altri 10 per metterlo in commercio (fonte Dday.it).
Da allora queso aggeggio a volte infernale, ci ha cambiato la vita. Ha contribuito a far sparire le cabine telefoniche, i gettoni e le schede, ci ha resi rintracciabili sempre e comunque anche quando siamo alla toilette. Lo lasciamo sempre acceso notte e giorno, ne abbiamo subito il fascino fino a non potere immaginare la nostra vita senza di lui e a non ricordare quasi più nulla del prima. Un vero e proprio spartiacque che agisce in modo subdolo sulla nostra coscienza sia vigile che dormiente.
Oggi vi parlo di un album uscito nel 1981, quando ero poco più di una bambina.
Per una delle mie prime feste di compleanno, forse proprio la mia prima da adolescente se la memoria non mi inganna, i miei cugini mi prestarono il loro impianto stereo, tra i migliori all'epoca e i loro dischi. Eh sì, mi volevano bene😜
Tra i vinili prestati, si spaziava dai Pink Floyd (ecco che ritornano, un vero e proprio incubo per me) a David Bowie, da Michael Jackson a Prince,dai DM ai Police. Ma pure, tornando all'Italia, De Gregori, De Andrè, Dalla, Battiato, rimasti sempre al top e alcuni che, con i tempo, hanno fatto perdere le loro tracce: Mario Castelnuovo, Garbo, Alberto Camerini, Marco Ferradini e Alberto Fortis.
La Grande Grotta è il terzo album in studio del cantautore piemontese, il suo lavoro più famoso e più venduto. Rischiava di rimanere nell'eterno limbo dei dischi mai venuti al mondo, se non fosse stato per l'intervento del grande produttore e musicista Alberto Salerno e di sua moglie Mara Maionchi che lo produssero dopo il litigio con il suo ex produttore Vincenzo Micocci (il famoso Vincenzo io ti ammazzerò) che lo aveva portato a rompere il contratto con la IT.
Alla coppia di ferro della discografia italiana, Alberto dedicò la canzone Sono contento di voi.
Un lavoro che vide la luce mentre il suo autore si trovava negli Stati Uniti, in un periodo, per lui, di completa maturità ed espressività sia a livello di scrittura che di voce. Quest'ultima, diviene un vero e proprio strumento che lui adatta con una facilità incredibile a qualsiasi tonalità, rendendola unica ed inimitabile. Ad ascoltarlo, ritrovo eco e armonie da Al Jarreau; rasenta la perfezione. La penna artistica cavalca con grande ironia e allo stesso tempo con speranza e passione, la storia d'amore dei due amanti protagonisti del racconto segnato dalle canzoni. Da Nuovi giorni, in cui il protagonista chiede alla sua amata di seguirlo verso nuovi orizzonti fino ad arrivare a La Grande Grotta, metafora di approdo e serenità rivolta al sole che nasce. Spaziando tra i vari continenti, L'Asia, la "vecchia Europa" e l'America, lì dove tutto può completarsi, perché l'unica che resisterà, anche se non le risparmia critiche, come accade in Marilyn.
Dopo un lavoro così possente ed impegnativo ci si aspettava, nel tempo futuro, un consolidamento del suo percorso artistico. Cosa che non è avvenuta. Fortis si è lasciato trascinare dall'oblio che ha segnato il resto della sua carriera, tornando solo recentemente sulle scene discografiche con album discreti ma di nicchia. Peccato per il suo grande talento, che brilla tutto in questo album. Penso davvero che pochissimi autori, in quegli anni, seppero spaziare come lui tra i vari generi della pop e glam rock music, in meno di quaranta minuti. Ed è per questo che vi consiglio di ascoltare tutti i brani che metto come di consueto in coda al post. Imperdibili.
Siamo a pochi giorni dal Natale. al mattino esco di casa, metto gli auricolari e parto con Spotify. Solo canzoni a tema. Spazio dai classici alle mille cover del panorama musicale internazionale. Chiaramente ho la mia playLIST. Ho pensato di fare un elenco di alcune delle mie preferite e postarvele qui. Sono però curiosa di sapere quali siano le vostre, perché ne vorrei creare una nuova da alternare alla mia. Ce ne saranno di bellissime, che magari non conosco. Suggeritemele. Le inserirò anche in una pagina fissa. Mi sembra il modo perfetto per avere un pezzetto di magia perenne da me, vero?
Ecco le mie, in attesa delle vostre.
10
TRAIN - SHAKE UP CHRISTMAS
Scritta da Pat Monahan e pubblicata nella versione golden dell'Album Save Me, San Francisco nel 2009, è una canzone che mi ha sempre fatto allegria fin dal primo ascolto. L'album ce l'ho in cd e l'ho consumato. I Train continuano a scrivere belle canzoni ma non li ho più seguiti.
9
BOBBY HELMS - JINGLE BELL ROCK
Scritta Joel Beals e Jim Boothe nel 1957 fu cantata per la prima volta da Bobby Helms. La mia versione preferita? Quella di Neil Diamond!
8
BING CROSBY - WHITE CHRISTMAS
Scritta da Irvin Berlin e pubblicata nel 1942 cantata da Bing Crosby, penso sia la canzone di Natale con più versioni e cover che io conosca. L'hanno cantata tutti ma proprio tutti! Da Tony Bennet ad Andrea Bocelli, da Ringo Starr a Roberto Murolo. Vi lascio una delle versioni che preferisco, quella con Bill Crosby e Michael Bublè.
7
BRUCE SPRINGSTEEN - MERRY CHRISTMAS BABY
Canzone del 1947 portata al successo da grandissimi artisti quali Otis Redding ed Elvis Presley, soddisfa la mia vena rock nella versione di zio Bruce!
6
STEVIE WONDER - TWINKLE TWINKLE LITTLE ME
scritta da Ron Miller e Deborah Wells, fu pubblicata nel 1967 come traccia dell'album di Stevie Wonder Someday at Christmas. Album bellissimo, l'unico che il grande artista abbia dedicato alle canzoni di Natale. In famiglia siamo appassionati del grandissimo Stevie. Quest'anno la sentirete parecchio in giro perché è la colonna sonora della pubblicità di Natale di Nutella!
5
COLDPLAY - CHRISTMAS LIGHTS
La voce di Chris Martin come una carezza. Un video dolce e bello come una filastrocca. Scritta dal biondino inglese e prodotta da Brian Eno fu pubblicata nel 2010. Cosa aggiungere, perdetevi nella sua poesia.
4
WHAM! - LAST CHRISTMAS
Ve ne ho appena parlato (QUI) poi dite che divento noiosa!
3
BAND AID - DO THEY KNOW IT'S CHRISTMAS
La versione del 1984 è la mia preferita. Delle 3 successive salvo solo quella del 2004 (tutta colpa di Chris Martin).
2
JOHN LENNON & YOKO ONO - HAPPY XMAS (WAR IS OVER)
Singolo pubblicato nel 1971 è una canzone nata in realtà come atto di protesta contro la guerra in Vietnam. Poi diventata il classico dei classici di Natale. I misteri del successo. Se avete un po' di tempo leggete il testo.
1
CHRIS REA - DRIVING HOME FOR CHRISTMAS
La mia number one. Singolo scritto e pubblicato nel 1986. Fu inserita successivamente nell'album New Light Trough Old Windows e poi nella versione deluxe di On The Beach. Malinconica e evocativa, quando l'ascolto per me è NATALE.
Sono passati esattamente 35 anni, dalla prima volta che, chi c'era all'epoca, ascoltò il brano "incriminato" destinato in seguito a legare il suo nome, il suo sound e il suo successo al Natale. Per sempre.
Preciso che io non ho il 45 giri e oggi, nella mia rubrica della domenica, avrei dovuto parlarvi d'altro.
Ma rimandiamo, visto che l'occasione è speciale.
Alzi la mano chi non conosce a memoria almeno il ritornello della canzone.
Vabbè c'è chi la conosce tutta ma non faccio nomi...
1984, anno che per me è un fiume di ricordi e come un ciclone mi rimanda a tempi di attesa e di decisioni da prendere. Composta dal grande artista inglese nell'agosto dello stesso anno mentre era in macchina col suo amico e collega Andrew, direzione casa dei suoi genitori.
I Wham! la incisero alla fine di quell'anno come lato B di un altro loro grande successo: Everything she wants.
Last Christmas si catapultò ai primi posti di tutte le classifiche mondiali vendendo oltre due milioni di copie.
Una delle curiosità legate al brano è che non arrivò mai in vetta alla classifica rimanendo saldamente al secondo posto.Al primo c'era Do They Know It's Christmas. Di cui proprio ieri il nostro amico MikiMoz ci ha parlato nel suo blog (QUI). Ovvio direi. Di quest'ultimo disco posseggo l'originale del 1984 e spesso lo riascolto, soprattutto nei giorni precedenti il Natale.
Penso che anche il video sia qualcosa che ricordiamo in tanti. Video che dipingeva in maniera perfetta le attitudini e le mode di quegli anni mi vengono in mente i Moon Boot, i capelli (cofane bionde e more, mèches come se piovesse) il bianco dei cappotti alle caviglie, la bigiotteria di "spessore". Ma noi, giovani fanciulle dell'epoca, avremmo dato chissà cosa per passare il Natale in Svizzera con George. Gliela avremmo fatta dimenticare per bene quella stupida cialtrona di modella che gli aveva preferito l'amico piuttosto anonimo. Non sapevamo ancora (il political correct e gli outing sono diventati prassi comune solo dopo qualche anno) che era George ad essere abbastanza indifferente!
Per festeggiare l'evento viene messo in vendita on-line un vinile in edizione limitata. Stampata su di un disco bianco, sono certa diverrà oggetto di culto per gli appassionati.
Non c'è bisogno di aggiungere che l'ho già ordinata, vero?
Se dovessi dirvi che mi ricordo quando ascoltai per la primissima volta la canzone che da il titolo a questo lavoro, mentirei. Probabilmente avvenne durante la messa in onda del video che ne fu tratto. All'epoca, erano pochi i programmi televisivi dedicati alla musica. Io seguivo Mister Fantasy, programma della RAI, l'unico che trasmetteva video musicali italiani e stranieri già dal 1981. Per farvi capire, DJ Television nasceva nel 1983 e sulle reti private. Il conduttore era Carlo Massarini ed era dedicato alla musica rock. Una manna allora, per i giovani proseliti di quel genere come me. Il conduttore (ho saputo dopo) suggerì alla casa discografica CDG (ora Warner) di far incidere il primo album a Sergio Caputo,un 28enne romano che partecipava al suo programma e riuscì far mettere sotto contratto l'artista. Ogni video tratto da quelle canzoni fu trasmesso alla tele. Ho fatto fatica a trovare delle tracce in rete, la Rai se li tiene stretti nella sua cineteca. Però qualcuno su RAI SAT EXTRA😎 c'è.
Erano i favolosi anni '80 da bere, e il cantautore seppe raccontargli perfettamente nelle sue canzoni, avendoli vissuti in prima persona.
In una sua intervista che celebrava i trentacinque anni dell'album, ha rivelato che lavorava di giorno (come pubblicitario) e viveva una vita spericolata la notte. Donne, locali ecc... aveva fatto suoi tutti i vizi a tal punto che pensava di non riuscire ad arrivare ai quarant'anni.
Per sua fortuna e nostra, non è stato così. L'album nacque d'istinto, durante le sue notti "brave" lui stesso dice di allora:
"L’ho scritto di notte, in varie occasioni. Quando mi veniva l’ispirazione, non essendo pratico portarmi un registratore dietro, facevo che telefonarmi a casa e cantare le canzoni alla segreteria telefonica. Un Sabato Italiano per esempio è nata a mia insaputa, la mattina dopo non mi ricordavo nemmeno come ero tornato a casa. Ho acceso la segreteria e c’era tutta la canzone cantata per voce e chitarra. L’ho scoperta così".
Per dire, uno scrive canzoni epocali registrandole sulla segreteria telefonica. Un fulminato, un matto vero, un'artista eclettico, ironico e unico. Sono certa che molti tra di noi hanno un ricordo legato a questa canzone, ma anche a molte degli album successivi come Italiani Mambo, L'astronave che arriva, il Garibaldi innamorato o Susanna, che scrisse per Adriano Celentano.
Ma tornando al vinile: ogni canzone è abbinata ad un cocktail, sulla copertina dell'album Sergio indossa una maglietta che ritrae un famoso poster dell'artista Guy Peellaert che, imitando l'articolo di un giornale, recita "Frankie Goes to Hollywood": esattamente la stessa fonte di ispirazione per l'omonimo gruppo pop che farà successo dal 1984. La prima traccia si intitolava Citrosodina ma dopo qualche mese il cantautore ricevette una telefonata dalla casa farmaceutica produttrice che gli chiese di inserire nel testo"è un medicinale, leggere attentamente le avvertenze e le modalità d'uso".E allora Sergio cambiò il titolo che divenne Bimba se sapessi e furono nuovamente reincise le parole del brano che divennero "idrofobina vegetale" al posto di "Citrosodina naturale". Potete ben capire il valore da collezione che ha la prima versione dell'album con il brano originale inciso e il titolo nella copertina. Purtroppo il mio, comprato dopo, ha la versione modificata.
È un album che amo molto. Di gusto retrò, "nuoce dannatamente" alla psiche di chi lo ascolta. È coinvolgente,elegante, disarmante, ironico, divertente, capace di farti ridere e riflettere mentre lo ascolti, 10 pezzi assurdamente brillanti e generosi.Con un modo di scrivere testi assolutamente innovativo e una musica che si mette in circolo e non ti molla più. Ha quel sapore amarcord che ti fa ragionare su te stesso e gli altri. Quelli che l'autore sembra osservare da lontano mentre li descrive in punta di swing. Perdete un po' di tempo e ascoltate i pezzi della track list. Canzoni come Mettimi giù, Cimici e bromuro e Mercy bocù, sono capolavori. Anche le altre. Ma poi dite che divento ossessiva😆
Sergio Caputo è uno dei migliori cantautori e musicisti swing-jazz che abbiamo in ITALIA. Conosciuto e stimato in tutto il mondo. Ha suonato con i più grandi artisti, da Dizzie Gillespie a Tony Scott. Ha vissuto negli Stati Uniti per molti anni pubblicando album di tale peso specifico da essere inseriti nella lista dei 50 album di genere più ascoltati in radio nella classifica R&B. Ha vinto l'award di smoot jazz nel 2005. Un vero patrimonio culturale per noi. Continua il suo percorso musicale jazz, con passione e innovazione. Se posso darvi un consiglio, non perdete i suoi meravigliosi concerti nel club italiani. Ne vale davvero la pena.
Prima di parlarvi dell'album, vorrei fare una veloce premessa, per quanto mi sia possibile😜
Questo disco lo comprai appena uscì,in vinile. Ero arrivata a Milano da poco. Niente soldi, lavoravo come babysitter per mantenermi all'università e contavo ogni centesimo che spendevo per i miei "vizi". A parte le sigarette, l'unico altro vizio era la musica. Che allora, come oggi, è sempre stata costosa. Il vinile penso di averlo consumato per le volte che l'ascoltai. Durante uno dei miei innumerevoli traslochi finì assieme ad alcuni libri in uno scatolone, sono sempre stata convinta di averlo lasciato a casa dei miei zii. Non l'ho più ritrovato. In tutti questi anni l'ho cercato nei mercatini dell'usato senza risultato, (non lo scatolone ma il disco). Qualche settimana fa ero a Zurigo e sono entrata in un negozietto (zero-zero) che aveva un'infinità di vinili, musicassette e vecchi dvd. Così per scherzo ho detto a mio marito ridendo "chissà che sia la volta buona, ora lo cerco". Vado alla lettera S e lo trovo proprio lì,davanti a tutti, unico. Mi stava aspettando... Incredibile, dopo così tanto tempo è tornato a casa, vi sembrerà assurdo ma mi sono quasi commossa.
L'album segna l'inizio della carriera di solista della popstar inglese, dopo lo scioglimento dei The Police di cui era padre/padrone e dittatore. In Italia fu il disco più venduto nell'anno, ebbe un successo strepitoso, che non ebbe pari all'estero. Il titolo è dovuto ad uno strano sogno dell'autore che poi viene ripreso nella versione strumentale del pezzo, incisa sull'album. Disco ruffiano con un occhio al jazz, vecchia sua passione e piedi ben saldi nel pop e nel rock. Gordon Summer si avvale di musicisti eccellenti quali Omar Hakim alla batteria, Kenny Kirkland al pianoforte Darryl Jones al basso (???) e Bradford Marsalis al sax e alle percussioni. Scelse NYC come base per la registrazione che venne terminata in poche settimane. Da perfezionista qual era volle dare unità e amalgama al gruppo con il quale si esibì in piccoli club ante e post produzione. Il risultato fu un album decisamente "eclettico". Si passa dal tema classico di Russians con un chiaro riferimento a Prokofiev, al jazz di Moon over Bourbon street e anche qui si ispira a The interview with the vampire di Anne Rice, fino a If you love somebody set them free, sempre abbracciando il jazz. Con una puntatina al reggae di Love is the seventh wave, al rock molto Police di Shadows in the rain. Un album pieno di citazioni che sono tutte nei ringraziamenti, come in Consider me gone dal taglio soul ma con un chiaro riferimento ai versi di Shakespeare.
Tralasciando di citare le canzoni, visto che più o meno tutte sono diventate dei grandi successi, vi dirò che, a parte quel che dicono i molti fan del suo gruppo storico che non gli hanno mai perdonato lo scioglimento, io credo sia un album di gran classe che merita tutto il successo che ha avuto e che, ancora oggi, si fa ascoltare molto volentieri. E mi ricordo Sting così come si presentò sul palco dell'ARISTON, nel 1986; in palandrana nera e ciuffo biondo, per cantare Russians.Oggi mi piace esattamente come allora. Quell'antipatico, sbruffone, megalomane, narcisista, presuntuoso, geniale di Gordon Summer.
Io sono quella divisa tra passioni e rinascite dei gruppi rock. Amo lo "sbando" che mi regala ascoltare un pezzo aggressivo e l'emozione dettata dalla dolcezza di un pezzo carezzevole. Si trova TUTTO in un GRANDE ALBUM.
Oggi vi parlo di un album icona. Niente di diverso da quello che ho già affrontato nelle mie passate escursioni. ULTRA dei DEPECHE MODE.
Numericamente è il nono album della band. A mio parere, è il numero uno della seconda vita artistica di Dave Gahan,Martin Gore e Andy Fletcher.
I DM alla fine degli anni '90, erano morti, defunti sulla via della disintegrazione, con Dave in preda a droghe di ogni genere e alle spalle un tentato suicidio. Con Andy alle prese con un forte esaurimento nervoso e Martin che si accompagnava sempre più spesso alla bottiglia.
Sembrava che dopo Violator e Song of Faith and Devotion, con l'uscita di scena di Alan Wilder, fosse arrivato il momento di chiudere il sipario e di tentare carriere da solisti o semplicemente di salvarsi la pelle. Per i fan una fine inaccettabile ma molto probabile, nonostante arrivassero notizie relative alla registrazione di un nuovo album.
Sembra incredibile, ma la morte clinica di tre minuti del frontman, dovuta ad un'overdose, ricompatta il gruppo, e dopo il periodo di riabilitazione di Dave, completano le registrazioni vocali e il resto del lavoro. il responsabile di tutto l'artwork è Antony Corbijn, vecchia conoscenza anche degli U2.
PHOTO ANTHONY CORBIJN
il 15 aprile 1997 viene pubblicato ULTRA, che si piazza immediatamente al 1° posto della classica inglese, francese e spagnola. Poiché David era ancora in pieno recupero, per la prima volta non c'è un tour promozionale.
Sono fragili, come si coglie durante alcune interviste in cui parlano solo Andy e Martin, mentre Dave si tiene lontano preferendo l'ombra piuttosto che soffermarsi sulla sua crisi personale, non ancora del tutto superata. "Il punto di vista di Martin ed Andy è comunque importante per capire come andavano le cose nel periodo successivo alla tragedia: “Quando ti arriva una chiamata ed è il tuo manager che ti dice ‘devo parlarti di Dave perché è successo qualcosa di veramente brutto’ il primo pensiero che hai è ‘oh mio Dio, questa è la volta buona’ ed è già accaduto due volte. È davvero terribile.” Per Martin è un miracolo che Dave sia ancora in piedi e continui a cantare, e questo suo modo di accettare la cosa fa parte della strana coesione del gruppo".
Insomma si erano rimessi in gioco, con grande coraggio, determinati e con una nuova grinta anche se con una cupezza maggiore rispetto ai loro lavori precedenti.Affrontando i loro demoni, senza nasconderli. C'è una gran sintonia nel gruppo.Dave comprende appieno le parole di Martin dando loro una completezza maggiore con la nuova profondità vocale che aveva acquistato seguendo le indicazioni di un vocale coach. Martin, dal canto suo, si avvicina di più all'anima di Dave costruendo piccole meraviglie di testo. I risultati stupiscono per la grande maturità complessiva.
Martin Gore in studio di registrazione
Il singolo di lancio è Barrel of a Gun. C'è tutto. La rinascita, il passato, le ammissioni di colpa, la voglia di fuggire dai riflettori. Ci sono due canzoni delicate e struggenti quali Home e The Loves Nieves tutte e due cantate da Martin.
La prima è un viaggio in territori inesplorati alla ricerca di noi stessi; la seconda ci riporta a luoghi più familiari e vicini. Home è la "mia canzone" dell'album. Penso di averla ascoltata centinaia di volte senza mai stancarmi, in un continuo rewind.
It's No Good è il secondo singolo e il vero marchio di fabbrica di tutto il lavoro. Affascina grazie ai sintetizzatori raggiungendo sonorità ipnotiche.
E poi ancora Uselink (strumentale) e via via, Jazz Thieves, Freestate, Useless, The Botton Line, Sister of Night, fino alla ballata finale, Insight.
In realtà l'album si chiude con una ghost track, Junior Painkiller.
Chissà, forse si capisce che non sono stata imparziale riguardo questa recensione, i pareri negli anni continuano ad essere discordanti e alcuni critici li hanno massacrati. Io lo ritengo un capolavoro assoluto, il mio album preferito dei DM. Quello che, come dicevo per Home, sono stata capace di ascoltare in cuffia, per ore intere, durante un'interminabile notte in pullman verso sud. Ripartire, ricominciare, rinascere. ULTRA.
Tutto cominciò nel lontano 1976, con Larry (Mullen Jr.) e il suo annuncio sulla bacheca della scuola a Dublino: cercava dei musicisti per formare un complesso rock. Risposero Adam Clayton, David Howell Evans(The Edge), suo fratello Dick Evans e Paul David Hewson (Bono Vox). Il fratello di The Edge, uscirà dalla formazione un anno dopo. Rimasero in quattro.
Il primo nome del gruppo è Feedback. Un anno dopo lo cambiano e prendono quello di The Hyde. Ma anche questo nome non li soddisfa appieno. Ci sono due versioni per il nome definitivo: la prima ci riconduce al cantante dei Radiators from Space, Steve Averill, il quale suggerisce il nome del celebre aereo spia americano che fu abbattuto mentre era in missione segreta in Unione Sovietica; la seconda al nome dalla linea metropolitana di Berlino: la U2.
Io propendo per la seconda versione, visto l'insana passione per la città che poi li vide rinascere dalle loro ceneri, Berlino appunto.
Dal 1976 ad oggi hanno venduto 170 milioni di dischi, vinto non so quanti Grammy Awards e Golden Globe, varie nomination allo "zio Oscar". Si dice, voci di corridoio eh, siano tra i più grandi gruppi rock in attività al mondo. Ma saranno illazioni...
Non è la prima volta che ve ne parlo, dalle mie etichette sembra che vi abbia già stressato ben 13 volte, questa sarà la 14ma.
Ritornando alla rubrica della domenica, voglio parlarvi del loro quinto album, un capolavoro, così come viene riconosciuto all'unanimità: THE JOSHUA TREE.
Il titolo fu definito da Bono "una vera e propria opera d'arte visto che suonava così bene". Se lo dice lui...
Le influenze blues, country e gospel lo attraversano tutto. Verrà registrato nella maggior parte a Memphis, patria di Elvis Presley, dopo una fase iniziale a Dublino, in una casa in stile georgiano che poi fu acquistata da Adam.
Dalle foto che vedete, si capisce come io abbia consumato il DISCO a forza di ascoltarlo. Con il senno di poi, posso confessarvi che non è il mio preferito. Sicuramente ha fatto conoscere la musica della band irlandese in tutto il mondo piazzandoli saldamente nell'olimpo del ROCK. No, dai scherzo ...
E' un album che raccoglie un quantitativo notevole di simbolismi a partire dall'albero della copertina, che non è quello fotografato da milioni di persone nel deserto californiano, all'interno del Joshua National Park, bensì una Jucca Brevifolia vista nella Death Valley. Ora giace esanime a terra,distrutto dai vandali, esattamente nel punto in cui si stagliava nello scatto fotografico di Anton Corbin.
Altro simbolismo ricorrente sarà il ricordo dei conflitti interni dei paesi americani che avevano visitato in precedenza, traendone ispirazione, come San Salvador e Nicaragua. I soprusi subiti da quelle popolazioni sono ben accentuati in Bullet the Blue Sky e Mothers of Disappeared. Il sociale e l'impegno civile, mischiato al disgusto per la politica americana, è molto presente in questo lavoro, come in tutti i lavori degli U2, Bono ha sempre posto l'accento, grazie alla grande capacità di trasformare il suo pensiero in parole di denuncia forti e importanti, sui deliri del mondo contemporaneo e su tutte le sue contraddizioni. Del resto, lui, è un poeta, che si tratti di ingiustizie sociali o di amore. Diciamo più sincero allora, privo dell'ipocrisia di cui si è ammantato poi, negli ultimi anni da rock star.
Si parla di droga in Running to Stand Hill e della precaria situazione del lavoro in miniera, in Red Hill Mining Town.Ricorderanno un caro amico morto in un incidente in moto a Dublino, Greg Carrol, nella canzone One Tree Hill.
Fino ad arrivare alle sonorità gospel-rock che si sentono in una delle mie preferite: I Still Haven't Found What I'm Looking For. Il titolo se lo inventò di sana pianta The Edge, assieme ad una parte del testo mentre Bono creò la base musicale e completò le parole. Ma la versione migliore del brano si può ascoltare in Rattle and Hum, album successivo molto controverso, accompagnata da un coro gospel da brividi. Vale la pena anche di vedere il video, in bianco e nero, girato in una chiesa ad Harlem.
Le influenze americane si fanno sentire forte e chiaro in un altro brano: Trip Through Your Wires.
Tutto l'album venne realizzato non senza superare diversi ostacoli, come quando Brian Eno (uno dei due produttori assieme a Daniel Lanois) minacciò di scartare una delle canzoni più belle, Where The Street Have no Name, perché le molteplici demo rimanevano incompiute a causa delle difficoltà di registrazione. Dallo stesso album fu eliminato un altro pezzo, The Sweetest Thing, che Bono scrisse dedicandolo alla moglie, per ringraziarla di tutta la pazienza avuta nell'aspettarlo durante le sue lunghe assenze. La bellissima canzone fu pubblicata dieci anni dopo, con un video in cui l'amore di Bono per Ali è evidentissimo. Altro esempio è il brano che Bono dichiarò nato per narrare della sua Irlanda e che invece fu dedicato agli Stati Uniti d'America: In God's Country. Fu ripubblicato in Ruttle and Hum, con un testo modificato.
E arriviamo a With or Without You. La canzone d'amore perfetta, che al primo ascolto provoca emozioni fortissime. Eppure non è una canzonetta banale di quelle che Bono detesta: ai successivi ascolti ci si accorge che è un brano che provoca ansia pura innalzata all'ennesima potenza, grazie ai due temi principali, la resa e l'abbandono. Alcuni dicono si tratti di qualcosa di più puro, un inno alla religione, vista la fissazione di Bono Vox, lui riteneva fosse quasi più adatta ad una chiesa che ad ascoltarla alla radio, fu una vera è propria sfida farla uscire come singolo. È un brano che arriva fino alla fine del mondo. Ah, no, quella è un'altra delle loro...
Il finale forse, è la parte migliore, i puristi del rock saranno d'accordo con me: con Exit e Mothers Of The Disappeared (già citata). La prima, in particolare, dal punto di vista musicale era quanto di più lontano da quel che avevano fatto gli U2 fino a quel momento. Un pezzo sporco, arrabbiato, ripetitivo e rumoroso. Bisognava trovare il modo per evocare la malvagità, lo stato mentale di qualcuno spinto da potenti impulsi, sull'orlo della disperazione. Questo riesce loro perfettamente grazie alla possente batteria di Larry e al suono melmoso del basso di Adam. L'obiettivo di Exit era raggiunto. Quasi un esorcismo, un modo per scacciare i loro demoni.
Sicuramente, l'album segna il punto più alto della loro storia artistica e musicale, quasi eguagliato da ACTUNG BABY. Che mi piaccia più il secondo è un dato certo. Ma è una storia che vi ho già raccontato.
